Avant on choisissait sa musique pour avoir la bande originale de sa vie défilant tel un film, maintenant il y a tellement de moyens qu’on peut réaliser soi-même le portait d’une tranche de vie. Il y a de véritables bijoux qui sont ainsi produits, mais de manière totalement aberrante, leur écho est terriblement restreint.
Serait-ce parce que c’est trop vrai, trop authentique, trop concret ? Pourtant, si c’était le cas, ces choses seraient connues et ensuite évitées, alors que là c’est une sorte de marge ! Une marge pourtant au cœur de la vie des gens « normaux ».
Ce qui joue sans doute ici, c’est qu’on doit parler d’une véritable révolution dans la musique française, car l’apport de l’électro – qui seule permet vraiment la french touch – modifie de fond en comble la chanson française : ce qu’on trouve ici aurait été dans le passé de la « variété » française – et c’est désormais de la musique populaire.
Tout a changé et ce n’est qu’un début !
Voici la playlist en lecture automatique, suivie de la liste des titres :
Moussa – simple X Claire Laffut
Michel – Appel Manqué
Zed Yun Pavarotti – De larmes
TESSÆ— À l’envers
Iliona – Reste
The Pirouettes – Encore un peu d’amour / Ciel radieux
La disco a été un mouvement populaire, avec une forte participation à la base. Le punk a critiqué la dimension passive des gens et le tournant post-punk a consisté en une approche esthétisante, relativement élitiste, mais parfois orienté pop au sens strict. Cette contradiction a, au début des années 1980, pu être très productive.
Au sens strict, on est chez les hipsters à l’origine même du phénomène, avant que cela ne devienne un snobisme. On a en effet des petits-bourgeois cultivés chez les prolétaires, la rencontre entre la culture et le punk. L’idée est simple : conserver la rage populaire, sa dureté, voire ses utopies politiques. Et y ajouter un certain raffinement, une qualité musicale d’un vrai niveau.
La chanson Making Plans For Nigel de XTC est emblématique de cette démarche, fragile mais pas précieuse, mélodique mais s’appuyant sur un fond post-punk.
C’est une aventure personnelle de la part d’artistes se baladant dans le punk, qui va produire une culture de haute qualité. Une aventure, car il faut avoir ici en tête qu’au début des années 1980, les instruments de musique coûtaient plus chers qu’aujourd’hui, l’accès à la musique plus compliqué. Et l’idée de partir du dissonant pour aller à la pop était une exigence très difficile à mettre en œuvre. L’une des grandes références, ce fut les Talking Head, passé de la scène pré-punk à la scène post-punk.
On a pareillement les Stranglers, passé d’un punk hargneux à une sorte de pop somptueusement sculptée, l’album Feline étant un bijou. Voici une chanson de 1977 liée à l’esprit punk, et une autre de 1982, très connue, Golden Brown.
Les groupes les plus fameux – des références absolues pour les esthètes de la musique en quête de pop intelligente – ce sont XTC et Wire d’un côté, Talk Talk de l’autre. Les premiers sont issus du punk au sens strict, Talk Talk étant passé par l’intermédiaire de la new wave. L’album Spirit of Eden de Talk Talk, sorti en 1988, est désormais considéré comme un classique.
Et les premiers albums de XTC et de Wire sont considérés comme incontournables, Wire étant d’autant plus apprécié pour son côté assez cryptique.
La dimension expérimentale est également parfois très présente, notamment chez Public Image Limited, avec au chant l’ancien chanteur des Sex Pistols. On oscille ici entre pop et une orientation intellectuelle et expérimentale.
Il va de soi que les groupes les plus connus ayant pris cette orientation sont U2 et The Police, ou bien, dans une certaine mesure, Téléphone en France. Mais leurs perspectives sont très différentes, car ils n’ont pas voulu conserver une ligne de rupture culturelle, U2 surfant justement sur une fausse ligne de rupture, malgré ses qualités indéniables.
Il y a beaucoup à réfléchir sur la rencontre d’une énergie prolétaire et de petits-bourgeois cultivés se reconnaissant – la rencontre étant capable du meilleur en renforçant l’authenticité comme du pire par l’esthétisation outrancière jusqu’au commercial.
Comme d’habitude, la playlist est disponible pendant plusieurs semaines dans la colonne de droite (version web) ou en bas de page (version mobile) ainsi que sur la page des playlists.
Une histoire parlant d’amour simplement, mais de manière très profonde. Une production soignée et complexe, mais avec une approche résolument pop. Cela donne un morceau de grande qualité et ça s’appelle « Les humains », par l’artiste Voyou.
La réalisation du clip par l’artiste Norma (qui assure les cœurs) est également à souligner, car il y a là un style, une véritable identité artistique correspondant à la fois à l’univers de Voyou, mais aussi au titre lui-même. On n’est pas dans l’illustration sans âme destinée à simplement faire des vues sur YouTube.
D’ailleurs, les vues YouTube ne sont pas vraiment au rendez-vous pour un artiste de ce talent. À peine 25 000 vues dans la soirée de samedi pour un clip sorti mercredi, c’est malheureusement très faible. Cela en dit long sur le niveau culturel de la France et notamment de la jeunesse… qui pourtant passe son temps sur YouTube.
Ce n’est pas comme si Voyou n’était pas connu. Ses morceaux sont régulièrement dans les playlists Deezer ou Spotify. Même France Inter, la radio la plus écoutée en France selon Mediametrie, l’a joué et même invité en live.
Qui plus est, le clip « Les humains » est relayé sur tout un tas de sites, dont ceux des Inrockuptibles et de Radio Nova, deux médias appartement dorénavant au même groupe et censés représenter l’avant-garde culturelle version grand-public en France. Ces médias n’ont-ils plus de surface ?
C’est probable, car le public aujourd’hui ne fait que consommer, de manière passive, et il n’y a de la place que pour le pré-mâché, les grosses productions, pas à des œuvres aussi sensibles que celle de Voyou.
Bien sûr, le morceau aura un peu d’audience quand il sera dans les grandes playlists ou sur certaines radios. Il sera entendu, mais pas vraiment écouté. Il sera apprécié, mais en surface, et pas à sa juste valeur.
Dans un pays aussi développé culturellement que la France, le public devrait pourtant être à l’affût du dernier clip d’un artiste contemporain comme Voyou, capable dans son album Les bruits de la ville sorti il y a pile un an, de proposer un morceau aussi touchant que « Il neige ».
Un peu de chaleur pop/rap pour l’automne avec cette nouvelle playlist marquée par la jeunesse et le style.
Les clips sont à chaque fois accompagnés d’une petite présentation. Comme d’habitude, la playlist sera disponible pendant quelques semaines en lecture automatique avec le service streaming de votre choix via le lecteur de la colonne de droite (version web) ou en bas de la page d’accueil (version mobile).
Enjoy !
Un son très puissant avec « Rebelle » de Raja Meziane qui, depuis la République tchèque où elle est réfugiée en raison de son engagement contre le régime, est une des figures musicale de la jeunesse algérienne en pleine affirmation avec le Hirak. « Je me rebelle et tu avales la poubelle », dit le refrain !
Très engagé également, le son de Danitsa envoyant joyeusement balader « mister business » qui pense qu’elle est jeune bête. Elle scande haut et fort que sa musique n’est pas à vendre et cela avec beaucoup de style. Girl power !
Une petite scène de vie intime pour ce très esthétique clip d’Hatik illustrant « M’attends pas », un son très moderne typique du rap français du moment, indéniablement aérien et mélodique.
On imagine mal comment la carrière de la toute jeune Sally, originaire de Cholet, pourrait ne pas décoller rapidement ! « VRILLE » est un titre pop d’une grande qualité, annonçant probablement le style de la prochaine décennie. Le débit est puissant, le propos touchant et le refrain s’installe si bien dans la tête : « Alors je vrille, je vrille Pendant que tu brilles Je vrille, je vrille Pendant que tu brilles… » On ne s’en lasse pas !
Encore une pop/rap très chaleureuse avec « Dilemme » de Lous and The Yakuza, qui expriment ses tourments dans un clip à la touche artistique très prononcée. La musique est de grande qualité avec une véritable maîtrisedu chant. Née au Congo, Lous est arrivée très jeune en Belgique avec sa famille réfugiée, puis a passé son adolescence au Rwanda. De retour en Belgique à 16 ans, elle est mise à la porte de chez elle à 19 ans et connaît une situation très compliquée avant de se faire une place dans la scène underground bruxelloise aux côtés d’artistes comme Damso ou L’or du commun. Tournée tant vers le métal que le reggae, la chanson française ou encore la culture japonaise et notamment les mangas, elle incarne un véritable métissage culturel.
On ne présente plus Billie Eilish qui a déjà séduit des millions d’adolescents à travers le monde avec sa pop incroyablement bien ficelée. Pour l’anecdote, elle est vegan et engagée pour cette cause.
À l’origine des Pirouettes, il y a une histoire d’amour qui a été chantée dans un EP et deux albums. Ils se sont séparés et l’ont annoncé publiquement, tout en voulant continuer le groupe. Dans ce titre absolument délicieux de part sa mélodie et son rythme formidablement bien organisé, vicky raconte ses « plis du coeur » avant l’inévitable rupture… Triste, mais beau.
Avec « Sugar Honey Iced Tea (S.H.I.T.) », la new-yorkaise Princess Nokia retourne à un rap old school très incisif à l’image de ce qu’elle avait proposé dans l’excellent album 1992 Delux. Le titre est donc très pop et il est illustré ici par un clip au ton humoristique, dont on comprendra aisément le message. Pour l’anecdote, elleévoque dans le second couplet une scène dont la vidéo a fait un petit buzz à New-York. Dans le métro, elle avait pris la défense d’un groupe d’ados qui était invectivé par un homme ivre et tenant des propos racistes. Elle avait alors entraîné les personnes autour d’elle pour le dégager par la force de la rame, avant de lui jeter le reste de sa soupe chaude à la figure !
La techno hardstyle et les sons issus du gabber sont très joués ces derniers temps dans les clubs français. La jeunesse urbaine découvre ou redécouvrece son très rude, qui est ici excellemment bien adaptéà la manière pop par le groupe Bagarre qui envoie joyeusement balader la merde ambiante. Au revoir !
La chanteuse belge Angèle a sorti récemment le clip de sa chanson Balance ton quoi.
Le titre est évidemment une référence à la vague d’affirmation des femmes sous le mot-clef #meetoo (moi aussi), qui en français a donné #balancetonporc (un mot-clef par ailleurs très irrespectueux pour les cochons).
Ce clip présente, en plus de la chanson, une scène très sympathique, dans une « académie anti-sexiste », où des hommes sont éduqués pour combattre leurs attitudes erronées envers les femmes. Les traits sont forcés en apparence, mais les propos sont très bien vus. Ils représentent tout à fait la façon dont les femmes comprennent le fonctionnement des hommes, notamment le fait qu’ils ont souvent du mal à comprendre que « non, c’est non ».
Cette idée de l’éducation, via une académie, en fait un point de vue très démocratique, puisqu’il ne s’agit plus seulement de dénoncer les hommes, mais il y a l’espoir de les rendre meilleurs, par le dialogue et l’intelligence collective, sociale.
C’est un contre-pied évident à la Gauche post-industrielle, post-moderne, qui pensent contourner le problème individuellement, en niant la réalité de la différence entre les femmes et les hommes, alors qu’il faut au contraire affirmer la dignité des femmes, comme le fait Angèle.
La mise en scène du clip et la chanson elle-même sont dans un style décalé très belge, à l’image de ce qu’à pu produire Stromae : avec les couleurs pastels et les paroles, on comprend que le sujet est pris au sérieux, mais en même temps abordé de manière légère. La même chose fait par des Français, le fait de dire « d’aller te faire en… mmm », serait vulgaire, alors que là cela ne l’est pas vraiment !
The Smiths : le groupe anglais mythique des années 1980. Il est difficile d’exprimer toute la portée et l’influence de ce groupe venu de Manchester tant il aura marqué son pays et le monde. Mais qui est encore capable d’en apprécier le charme et la grâce aujourd’hui en France ? La jeunesse de notre pays est-elle complètement démunie, corrompue et molle qu’elle est incapable d’aller à la rencontre du romantisme des Smiths ? Ou bien a-t-elle rejeté leur beauté après être passée du côté de la réaction ?
Trois premiers albums des Smiths
Les Smiths était un groupe ancré dans la réalité de son pays : l’Angleterre de Thatcher. Il ne sera pas arrivé seul. Tant de groupes ont émergé de cette époque, tous avec une forte sensibilité exprimée de différentes manières. Un mélange de mélancolie, de tristesse, d’ironie…
Les sonorités à la fois très pop et très accrocheuse du groupe suffisent à en faire une formation remarquable dans l’histoire de la musique. Mais les Smiths ne seraient pas les Smiths sans ces couplets, ces refrains, ces vers que l’on chantonne presque religieusement. Prenons trois exemples, tirés des trois premiers albums.
Les notes légères et cristallines de la guitare flottent juste au-dessus des autres instruments. La mélodie produite donnent l’image d’une vieille berceuse usée par le temps et sur cette musique se pose la voix délicate de Morrissey. Le mariage est sublime.
La chanson parle de la relation d’un père avec son enfant de trois ans, de son amour, de la difficulté de le rassurer et de l’absence de la mère. Le texte donne l’image d’une personne brisée ne sachant pas comment s’y prendre, tout en ayant envie de bien faire.
Comme souvent, la dimension poétique va de pair avec un certaine flou. S’il n’y a pas autant d’interprétations que d’auditeurs, il reste toujours plusieurs manières de comprendre certaines détails et d’être touché par l’atmosphère de la chanson.
Cette même approche musicale se retrouve dans la dernière chanson de l’album, « Suffer little children ». Le rythme est plus lent, le ton plus posé, plus sombre : il est question d’une série de meurtres d’enfants entre 1963 et 1965, non loin de Manchester.
L’ambiance est dense et la phrase « Oh Manchester, so much to answer for… » du refrain marque tout au long de la chanson. Il y a une certaine distance, une pudeur qui s’accompagne d’un regard triste et désemparé sur la situation. La force des textes de Morrissey est d’arriver à trouver cette distance, cette justesse dans la manière de mettre sous forme de chanson toute une réalités sociales et des ressentis.
Le « iron bridge » de la chanson Still ill, à Manchester
« Well I Wonder », Meat is murder
Probablement l’une des chansons les plus denses du groupe.
Le personnage de la chanson est épris d’une personne qui ignore son existence. Son amour fou est à sens unique, et le pousse toujours plus près du précipice. Il n’a plus de prise sur le monde et sa propre existence. La justesse de l’écriture et la dimension tragique rendent la chanson unique.
Le travail autour de l’articulation entre le texte, le chant et les instruments est incroyable. La tragique est annoncé, il se met en place au fil de la chanson et la dernière minute purement instrumentale est inoubliable avec un bruit de pluie est monumental.
« There is a light that never goes out », The Queen is dead
Les Smiths sortent leur album mythique The Queen is dead en 1986. Un pallier a été franchi entre le précédent et celui-ci : il est une synthèse brillante de toute une tradition pop allant des Beatles aux Byrds. Le niveau d’écriture a lui aussi franchi un cap : beaucoup moins brut d’approche, plus sensible, plus subtile.
Avec la chanson « There is a light that never goes out », le tragique ne prend plus du tout la même forme. Avec une exagération presque humoristique de la situation lors du refrain, le morceau se chante presque facilement. Pourtant, la mélancolie du personnage est d’une force !
And if a double-decker bus crashes into us
To die by your side, is such a heavenly way to die.
And if a ten-ton truck kills the both of us
To die by your side, well, the pleasure – the privilege is mine.
Et si un bus à double étage, nous rentre dedans
Mourir à tes côtés, voilà une divine manière de mourir.
Et si un poids lourd, Nous tue tous les deux
Mourir à tes côtés, et bien, tout le plaisir, le privilège est pour moi.
Les Smiths auront réussi à allier discours social et sentimental. Souvent de manière brut mais toujours avec une très grande sensibilité. Le principal reproche possible est qu’ils n’ont pas su assumer ce qu’ils ont porté : le quatrième et dernier album est d’une qualité très inférieure, et le groupe s’est ensuite séparé. Son histoire aura été relativement courte, mais intense.
Le groupe aura réussi à mettre des mots sur ce qu’on pu ressentir et ce qu’ont pu continuer de ressentir des millions de personnes. Ils ont été, et sont toujours, ce groupe qui donne l’impression de ne pas être seul. Ils auront réussi à parler d’isolement, de violence sociale, de végétarisme ou encore de sujet très délicats, toujours avec une distance juste, comme l’avortement – dans la chanson « This night has opened my eyes ».
Seulement les Smiths sont un reflet trop fort, trop intense de toute une époque qui continue encore aujourd’hui. La difficulté est de ni sombrer dans une certaines complaisance romantico-dépressive, ni vider le groupe de toute sa substance. Il faut arriver à défendre et revendiquer toute la beauté qu’ils ont porté et espérer que cette écoute de « The Queen is dead » sera la dernière : espérer que demain sera le début d’un monde nouveau duquel les chansons des Smiths ne refléteront plus rien.
5,16 millions de téléspectateurs ont regardé avant-hier soir l’Eurovision, cette entreprise de spectacle, plutôt beauf ou au moins kitsch, dans la veine de l’institution italienne du festival de Sanremo.
Artistiquement, c’est souvent faible, même si certaines années ont vu des artistes d’envergure tels que l’auteur-compositeur Serge Gainsbourg y proposer des titres ; plus récemment, c’est devenu une sorte de prétexte à un délire sans trop de prétention, avec costumes délirants, représentations culturelles nationales présentées sous un axe sympa, esprit bon enfant, etc.
Il y a quelque chose de ridicule mais d’irrésistiblement attirant, une sorte de minimalisme régressif mais pas trop. Justement, cette année, il semble que l’accent a été mis sur les chansons à message.
On pense notamment à Mercy des français Madame Monsieur qui évoque le sort d’une enfant réfugiée et le titre de l’Italie chanté par Ermal Meta et Fabrizio Moro en hommage aux victimes des attentats djihadistes. Il y a aussi l’israélienne Netta Barzilai qui a brodé un titre électro sur le thème de #metoo, gagnant finalement l’Eurovision.
Il s’agit d’une pastille très colorée, comme nous y a habitué la pop internationale depuis l’époque de MTV. Des danseuses y changent de tenue à chaque plan dans un décor fait d’artifices visuels, dans un montage découpé à l’extrême. Pendant ce temps-là, la chanteuse explique que les « poules » ne sont pas des jouets, dénonçant le machisme et sa stupidité.
Les références, ou récupérations, sont nombreuses, dans l’imagerie bien davantage que dans la profondeur de l’ambition artistique, on aura parlé de Beth Ditto et de Björk.
Mais le titre Toy a surtout pour objectif principal de faire danser, dans l’esprit simpliste de l’Eurovision. Cette musique electronique est clairement formatée pour les clubs et la diffusion commerciale.
Le texte présente donc par contre plus d’aspérité et cela a frappé les esprits, cela a été vraiment apprécié.
On note ainsi que le clip de Netta ne présente que des femmes, ce qui parait évident vu le thème de Toy, mais marque donc un certain essentialisme : on parle de femmes, pas de genre ou de queer. L’expression des corps -féminins donc- s’impose dans la danse et d’une certaine manière dans une moindre mesure par le chant au travers des onomatopées.
Netta est une femme qui interpelle les hommes, pour leur apprendre des choses, pour les obliger à voir.
Elle rejette l’homme qui se comporte comme un prédicateur des temps modernes et rejette du même geste la superficialité dans les relations (elle moque les smartphones, le bling-bling et les femmes potiches).
Avant tout, elle affirme que les femmes ne sont ni des jouets pour les hommes (d’où le titre !), ni de perpétuels enfants. Netta affirme le caractère puissant et sacré de la femme, les femmes doivent avoir confiance en elles-mêmes!
L’un des ressorts littéraires du texte est l’utilisation du terme d’argot anglophone « buck », qui qualifie les mâles du règne animal en particulier dans le vocabulaire des chasseurs, mais aussi dans l’imaginaire machiste. Netta joue avec ce terme, pour se moquer des hommes au comportement inapproprié et le renverse au profit des femmes pour qualifier son rythme de « motha-bucka beat ».
L’Eurovision est de plus un évènement très populaire qui rassemble probablement plus de 100 millions de téléspectateurs (il n’est pas possible d’avoir des chiffres fiables) dans plus de 40 pays. On doit donc considérer comme positif qu’un tel message, qui dénonce le comportement inapproprié qu’ont des hommes, soit diffusé de manière positif aussi largement.
On retrouve là un mouvement dit « d’empowerment », de prise de parole, de pouvoir comme à pu l’être #metoo sur les réseaux sociaux.
Avec ses limites également, car Netta y fait un constat très subjectif, un point de vue d’artiste en somme, qu’il n’est pas possible de généraliser quand on est une femme du quotidien. C’est dommage, mais c’est un fait : le féminisme se réduit ici surtout à un show et à des bons sentiments.
D’où d’ailleurs l’appréciation unilatéralement favorable de la chanson par la scène « LGBTQ+++ » toujours prompte à récupérer ce qui est démocratique pour célébrer la marge et l’ultra-individualisme. Netta joue il est vrai beaucoup là-dessus également, avec le fétiche du surprenant, de l’étrange, etc.
Le problème qui est la cause de cela, c’est bien entendu que Netta voit les choses avec un prisme qu’on peut qualifier de « Tel Aviv », de cette ville israélienne de fête et de vie sociale bien différente du reste du pays, cultivant une approche festive décadente.
Là on s’éloigne, avec cette esthétique sortant du fun pour passer dans le difforme, du démocratique pour passer dans la mise en scène.
Netta s’insère ainsi donc aussi dans le soft power israélien. Lorsqu’elle dit de manière féministe « Wonder Woman, n’oublie jamais que / Tu es divine et lui, il s’apprête à le regretter », c’est aussi une allusion l’actrice israélienne Gal Gadot ayant joué Wonder Woman.
Lorsqu’elle dit à la fin de l’Eurovision, après la victoire, « J’aime mon pays, l’an prochain à Jérusalem! », elle met littéralement les pieds dans le plat alors que Donald Trump a rendu ultra-sensible la question de la capitale israélienne.
Ce faisant, elle rate l’universel, que devrait amener l’Eurovision : le dépassement du particulier dans un grand brassage féérique et populaire. Dommage !
A sa sortie en 1967, Forever Changes du groupe américain Love n’eut aucun succès. S’il reste encore strictement inconnu du grand public, il est depuis unanimement considéré par les critiques musicaux comme un des plus grands chefs d’œuvre.
Le paradoxe est que, loin d’une sur-esthétisation, d’un intellectualisme élitiste ou quoi que ce soit de ce genre, l’album est bien d’une très grande accessibilité.
On comprend pourquoi il fut l’album préféré des Stones Roses et de leur producteur, justement en raison de cette fragilité jamais gratuite, cette esthétique formidable et jamais ostentatoire, toujours ouverte, lisible, connaissable.
A cela s’ajoute bien entendu une incroyable synthèse de folk, de rock psychédélique, avec des éléments préfigurant la pop, alors que des guitares acoustiques accompagnent une démarche orchestrale.
La chanson Alone again or est la plus emblématique et la plus célèbre (« on dit que ça va ; je n’oublierai pas, toutes les fois que j’ai attendu patiemment pour toi, et tu feras seulement ce que tu as choisi de faire, et je serai encore seul ce soir ma chère »).
La chanson A House Is Not a Motel est également marquante, avec son éloge du couple (« Une maison n’est pas un hôtel de passage »).
Le groupe avait saisi une certaine précarité du mouvement hippie et l’échec de l’album amènera son implosion, avec un basculement encore plus flagrant dans l’héroïne et le LSD.
La critique de la société est profondément romantique, avec une exigence résolument franche d’une autre vie, comme ici avec Live And Let Live (Vivre et laisser vivre) : « J’ai t’ai vu de nombreuses fois de par la passé, une fois j’étais un Indien, et j’étais sur ma terre, pourquoi est-ce que tu ne comprends pas ? (…) J’ai fait mon temps, je l’ai bien servi, tu as fait de mon esprit une cellule ».
Le phrasé de Bummer In The Summer est également très puissant de par sa dimension blues, l’histoire comptant la mésaventure d’un plombier qui a trouvé la femme de ses rêves, mais la jalousie environnante agresse leur relation et lui rappelle à la femme sa liberté.
La référence à Love a été relativement partagée dans le milieu rock, des Ramones à Alice Cooper, de Jesus and Mary Chains à Billy Bragg, de Robert Plant au Velvet Underground, etc. La chanson Alone Again or fut notamment plusieurs fois reprises.
Voici la version des Damned, des Boo Radleys, des Oblivians, de Sarah Brightman, d’UFO, et enfin une version de Bryan McLean, le membre de Love auteur de la chanson et par ailleurs ancien roadie des Byrds.
Il est à noter que ces références à Love profitent également de la chanson Seven and Seven Is, de de l’album précédent datant de la même année, Da Capo, connue pour avoir une très forte dimension pré-punk.
Cependant, au-delà de la dimension expérimentale caractérisant Love, Forever Changes est marquant comme album avec beaucoup de sensibilité, partant selon dans le tourmenté déboussolé, le réconfortant, l’agressif protestataire, le frénétique ; c’est un album qui affirme toute une recherche d’expression des facultés émotionnelles lors de la vague psychédélique et hippie.
Les références, ou récupérations, sont nombreuses, dans l’imagerie bien davantage que dans la profondeur de l’ambition artistique, on aura parlé de Beth Ditto et de Björk.
Netta est une femme qui interpelle les hommes, pour leur apprendre des choses, pour les obliger à voir.
L’Eurovision est de plus un évènement très populaire qui rassemble probablement plus de 100 millions de téléspectateurs (il n’est pas possible d’avoir des chiffres fiables) dans plus de 40 pays. On doit donc considérer comme positif qu’un tel message, qui dénonce le comportement inapproprié qu’ont des hommes, soit diffusé de manière positif aussi largement.
Le paradoxe est que, loin d’une sur-esthétisation, d’un intellectualisme élitiste ou quoi que ce soit de ce genre, l’album est bien d’une très grande accessibilité.
La chanson Alone again or est la plus emblématique et la plus célèbre (« on dit que ça va ; je n’oublierai pas, toutes les fois que j’ai attendu patiemment pour toi, et tu feras seulement ce que tu as choisi de faire, et je serai encore seul ce soir ma chère »).